在历史的长河中，艺术一直是人类情感和创造力的集中展现。它不仅是一种娱乐形式，更是作为文化的传承和社会的镜像存在于现实中。从第一个艺术作品产生到现在，一贯的经验告诉我们，艺术创作从来不是一个人的事，而是一群人的事。社会学家贝克尔认为，艺术是某些成员的集体活动：“许多人牵扯其中，一些人直接创作艺术，另一些人从旁协助，还有一些人（可能是很久以前或在很远的地方的人）则在开发艺术创作所必需的现有材料和符号成分上发挥着作用。”正如一部影视作品需要编剧、导演、摄影师、演员、后期等各个工种的配合才能产生，这一切显得自然而合理。

随着科技的飞速发展，特别是AI（人工智能）和虚拟技术的兴起，我们突然发现艺术创作似乎正处于一个前所未有的变革时刻，贝克尔认为的“艺术不是艺术家与生俱来的天才的唯一产物”的这一理念正在被击破。So r a的诞生让演员、摄影、灯光、音乐都可以不再被需要，只需要一段文字，就可以打破人与人的合作，使艺术家拥有更加独立而自我的表达。虽然以So r a为代表的AI模型还有待训练和完善，但不可否认的是，新科技的进步会导致艺术创作具有更新的形态，变革原有的合作式艺术创作模式是艺术发展的必由之路。

然而，当我们将目光聚焦于相对传统的舞台艺术的时候，考虑到舞台艺术（舞蹈、戏剧、戏曲、音乐演唱会等）的独特性及其与影视等新媒体艺术的差异性，我们不禁要思考：舞台艺术在触碰到新技术时会产生什么样的变化？传统集体合作式的舞台艺术创作模式会发生怎样的改变？

科技的进步告诉我们，舞台艺术创作的智能化时代已经到来。从前舞台艺术的各个工种必须要合作才能够上演一台剧目（作品），但通过人工智能，在剧本写作上，AI可以通过分析大量文学作品和观众喜好数据，自动生成剧本；在音乐、舞蹈的创作中，AI可以通过分析大量现有素材，自动生成与主题和风格相匹配的音乐和舞蹈作品；在舞美设计中，AI可以提供更为精准的建议，从而营造出更加震撼人心的舞台效果；在表演形式上，通过虚拟技术，演员可以被投射成虚拟角色而并非真人表演；在传播媒介上，舞台作品可以通过虚拟现实等技术进行在线传播和展演而不再依赖物理剧场……

由此看来，当舞台艺术创作与AI、虚拟技术进行结合,所产生的智能化创作方式将带给创作者极大的帮助。但与此同时，艺术家合作创作的模式也在遭受挑战。一些传统意义上的艺术分工在未来很可能被整合：舞美设计、灯光设计、演员、编剧的工作都可以通过一个名为舞台作品架构艺术家的工种而存在并且延续。或许正如一些学者认为的那样，AI时代的到来很有可能促使“超级艺术家”的诞生。只需要一段文字，就可以生成一段数字影视化的舞台表演，甚至演员也可以只是一段AI生成的数字影像，艺术可以完全自由地创造他们想要的效果。

当然有人会问，这样的作品可以被称为舞台作品吗？或者是否只是一段伪舞台作品的影像片段呢？但正如彼得·布鲁克所说的那样，空间、演员和观众构成了戏剧（其他的舞台艺术也同样）。当观众在AI创作出来的虚拟剧场中观看了一场虚拟表演，并产生了与线下表演同样的临场感和情感共鸣时，我们可以否认这不是一场舞台表演吗？事实上，歌手特拉维斯·斯科特于2020年在游戏《堡垒之夜》中进行的虚拟演唱会已经告诉世界，虚拟舞台表演早已成为事实。AI的发展无疑将会加速推动艺术家独立构建出一台虚拟舞台表演。也即是说，未来的舞台艺术很有可能是艺术家个人的意象化的产物，真正真实的或许只有承载了艺术家个人意志的影像化作品和观众。

从某种角度而言，这使舞台艺术所想要展示的内容更加纯粹，观众与艺术家个人和艺术作品的内在联系也更加紧密和直接。但从另一个角度而言，群体创作的智慧和火花将被个体的智慧和灵感所代替，那些集体的观念和集体的经验很可能被隐藏，而使舞台艺术缺失了属于人类和社会的那一部分价值与意义。更为重要的是，我们在今天依然愿意投身于舞台艺术的原因正来源于舞台的魅力，相较于冰冷的影视艺术，它依然是通过人的生命力而体现并且在人际间传达的。在剧场中，人们深刻感受到思维的燃烧、沉醉的快乐以及心灵的震撼。这不仅仅只是演员和观众之间能量的交换，更是创作者和演员、观众跨越时空的审美交织的高峰体验，三者在此时共享着同样的经验和人的价值意义并为此而感到灵魂上的战栗。因此，舞台艺术的集体创作实际是超越了表演形式和内容的“原始意象”本身。对于舞台艺术而言，即便科技水平达到了舞台艺术可以成为“一个人的事”的那一阶段，它也将继续并且应该永远是“一群人的事”而并非“一个人的事”。

总而言之，科技的发展从戏剧创作、表演、观赏到传播和教育等各个方面都将会对舞台艺术带来前所未有的变革和创新，也必然将影响到艺术工作者及他们之间的合作和工作模式。当我们在拥抱新技术之时也需要注意到新技术带来的问题，以确保舞台艺术在科技发展的同时能保持其独特的艺术魅力，力求将技术与艺术完美结合，为观众带来更加丰富多彩和震撼人心的艺术体验。

（作者为上海戏剧学院戏曲学院副教授）